Archivo de la categoría: en escena

Teatro, conciertos, performance, cafe-cabaret… Daremos debida cuenta de los espectáculos a los que hemos asistido y conocerás todos los detalles para que tomes la decisión de vivirlos en primera persona.
Toma nuestras referencias “espectaculares” y lánzate a la calle. Actores, músicos, cantantes, cómicos y artistas de todo género están trabajando para ti, ¡te están esperando!
¡Aprovéchalo! Demuestra que eres un efectero espectacular.

Gracias, Víctor

2 YOU MAESTRO

VICTOR ULLATE BALLET

 

Un homenaje a la figura de una artista reconocido dentro y fuera de nuestras fronteras. Excelente intérprete y  magnífico creador, Víctor Ullate, ha dedicado los últimos 50 años de su vida a la danza, lo que le ha hecho merecedor de premios tan destacados como la Medalla de Oro de las Bellas Artes, el Premio Nacional de Danza o el Premio de Cultura de la Comunidad de Madrid. Pero su gran recompensa la recibe con este 2 you Maestro que le regala el director artístico del Víctor Ullate Ballet, el coreógrafo Eduardo Lao . Una obra que, sin duda, crea afición por la danza.

cartel 2 you maestroVíctor Ullate ha sido un hombre dedicado a la danza en cuerpo y alma desde su adolescencia. Comenzó estudios de baile con María de Ávila en su Zaragoza natal y pronto se dedicó profesionalmente a lo que más le gustaba de la mano de Antonio Ruiz Soler (Antonio el Bailarín) -curiosamente uno de los hijos del maestro Ullate, Víctor, es hoy profesor de danza en la que fuera escuela de Antonio en Madrid-. Pocos años después y aún sin haber alcanzado la mayoría edad entra a formar parte de las filas del Ballet del Siglo XX dirigido por el gran Maurice Béjart. El maestro Béjart fue más que un preceptor para Víctor. Entre los dos surgió una profunda amistad que duró hasta el final de los días del francés de nacimiento, que en 2007 dejó huérfano a su “petit Victor” como gustaba llamarle.

Tras su vuelta a España, Ullate crea en 1983 el Centro de Danza Víctor Ullate, génesis de lo que hoy es el Victor Ullate Ballet, que nació en 1988 y que por estás fecha sigue celebrando su XX aniversario. Veinte años creando magia sobre el escenario a base de movimiento, contoneo, brazos al viento y pasión por la danza, mucha pasión y mucha danza. Danza clásica, danza contemporánea, danza innovadora, danza trasgresora, danza elegante y así hasta llegar a este 2 you Maestro. Una creación de Eduardo Lao para rendir homenaje al que siempre fue su Maestro.

2 you Maestro es más que un homenaje. Es un recorrido por la vida artística de Ullate. Desde aquel Víctor jovencísimo  que se interesa por el flamenco y cambia las botas de tacón por una maleta hacia la incertidumbre y el desconocimiento, aunque cuajado de ilusión por todas las experiencias que están por venir. Esa maleta se fue descargando de inseguridades y se fue llenando de logros, éxitos y satisfacciones a la vez que Víctor Ullate recorría el mundo. El Ullate joven está interpretado magistralmente en este montaje por Josué Ullate, el hijo pequeño de Víctor y heredero del arte de su padre que surge en él de forma innata, sin que cuenten para nada los genes.

José Ullatre representa a su padre en 2 you Maestro

Josué Ullate representa a su padre en 2 you Maestro

Lao así lo retrata en 2 you Maestro. Ha escogido piezas fundamentales en los últimos veinte años de la vida de Víctor. Viente años que son toda una vida para su compañía, que ha puesto en escena obras como Tras el espejo, Itu.. ¿Bailas?, Samsara, Arrayan D’Araxa o Fauno, todas ellas nacidas de la imaginación de Ullate. Fragmentos de todas ellas se representa en este montaje, entre las que destacan también algunas piezas de obras del propio Eduardo Lao como Tierra madre, Burka o Go up. Pero sin duda lo que nunca deja de emocionar, de enamorar al público son las creaciones magistrales de Ullate de El amor brujo y Jaleos, con la que se cierra este homenaje redondo. En todas y cada una de estas piezas hay que destacar sobre manera a los intérpretes, esos magníficos bailarines con los que cuenta la compañía. 

Víctor Ullate disfruta de este espectáculo y se le nota. Irradia alegría, felicidad y amor por lo que siempre ha hecho: crear danza para el escenario y para el patio de butacas. Una vez más, GRACIAS, Víctor por hacer disfrutar al público. GRACIAS, Víctor por tu generosidad.

Teatros del Canal

Calle Cea Bermúdez, 1

Metro Canal (L2, L7)

Tel: 91 308 99 99

Compra de entradas:

entradas.com

1 comentario

Archivado bajo en escena

Entrevista a Fernando Gil

FERNANDO GIL

“Haciendo el Tenorio en Alcalá me sentía como los Rolling Stones diciendo versos”

Fernando Gil es un actor polifacético: canta, baila, interpreta, toca la guitarra… y eso le hace perder el miedo ante cualquier propuesta escénica. Está triunfando en el Teatro Lope de Vega de Madrid interpretando a Sir Lancelot en Spamalot, pero no puede parar. Ahora presenta en Madrid Personajes de la calle junto a Edu Soto, conocido por su papel del Neng en Buenafuente. Nos lo contó todo en Efecto Madrid en Radio Libertad.

Fernando Gil

El actor Fernando Gil

P. ¿Cómo nació esta propuesta que presentáis en la Sala Galileo Galilei?

R. Esto comenzó porque Edu Soto y yo comenzamos a trabajar el año pasado en el elenco de Spamalot en Barcelona y surgió muy buen rollo. Somos muy de decirnos paridas mutuamente y dijimos ¿por qué no llevamos esto al público? Y ahí nació este Personajes de la calle que es una especie, no del club de la comedia porque queríamos subir el tono y hacer algo más que monólogos, entonces nos acercamos más al homenaje a Faemino y Cansado, a Tip y Coll, con diálogos, sketches… algunos absurdos, otros más divertidos. Se pueden ver escenas de todo tipo. Hay un momento de conexión con el más allá donde yo entrevisto a Michael Jackson, que nos cuenta cómo murió, qué le pareció su funeral y Edu Soto en ese momento es poseído por el espíritu de Michael Jackson, pero con el gracejo que le caracteriza.

P. Podremos saber entonces cómo murió Michael Jackson, porque hasta ahora todo son dudas…

R. Exacto. Ahí se resolverán todas las dudas. Pero también tenemos un abanico de personajes. Nos gusta fijarnos en gente cotidiana, gente de la calle. Vamos un poco de listillos y así presentamos una serie de personajes que nos hemos ido inventando y los metemos en escenas cotidianas, pero bastante sacadas de madre, lo que lo hace muy divertido.

P. Son personajes inventados, pero de la gente de la calle se pueden sacar muchas historias…

R. Es curioso. A veces puedes llegar a pensar que eso no es verdad y que no ha pasado, pero todos los personajes que salen están basados en gente que hemos visto. A veces la realidad supera la ficción, bueno, en realidad, siempre. Nos fijamos mucho en personajes que van en pareja, por ejemplo, tenemos al soplaportales y al esmirriao que es el típico pechopalomo que siempre lleva a un colega al lado que le va riendo las gracias y con ellos tenemos una escena muy divertida en una discoteca.

P. Edu Soto y tú coincidistéis en Spamalot en Barcelona, donde además compartíais camerino y ahí fue donde comenzó todo.

R. Sí, porque compartiendo camerino siempre surge el roce, el cariño… el roce, entendámonos…

P. El roce no físico…

R. (Risas) No, no físico, digamos que la amistad. Edu y yo somos gente que nos gusta jugar mucho con personajes y hacer mucho el tonto y ahí en el camerino, como además íbamos vestidos de los personajes de Spamalot que son bastante caricaturescos, cada vez que aparecíamos en el camerino vestidos de algo empezábamos a hacer el idiota y de ahí surgió ésto que hemos avanzado en Cataluña, en Granollers, en Mataró…

P. Uno de vuestros personajes en este montaje es Paco Moreno, ¿es él el hilo conductor de la función?

R. No. El hilo conductor lo hacemos nosotros desde nuestro yo personal. Nosotros vamos introduciendo las escenas. “Ahora vais a ver tal personaje que lo podéis ver cada noche en una esquina de la discoteca, oteando…” Vamos narrando los personajes y como por arte de magia, nos convertimos en los personajes que presentamos. Aparte de eso hay alguna fragmento musical. Cantamos, yo toco la guitarra y Edu canta algunas canciones jocosas e hilarantes. Y algunos sketches gestuales. Cercano al absurdo, pero creo que la gente se puede jartar de reir.

Fernando Gil durante la entrevista a Efecto Madrid en Radio Libertad

Fernando Gil durante la entrevista a Efecto Madrid en Radio Libertad

P. Es que eres un actor muy completito, no sólo interpretas, también cantas, bailas…

R. No lo quería decir yo… (risas). La profesión ha ido avanzando a lo largo de todos estos años en España y ahora cuantos más palos puedas tocar y más amplio sea el abanico de posibilidades para ofrecer a un público, más posibilidades tienes de salirte de un esquema preestablecido. Puedes entrar en un musical, trabajar en verso, hacer una comedia, entrar en televisión, en cine… En ese sentido, yo que llevo intentando dedicarme a ésto desde muy pequeñín, desde esa edad me interesaban muchas de estas disciplinas: me ponía a tocar la guitarra o aprendía mimo. Luego, cuando ya te metes en la escuela a aprender cada una de ellas, ya llegas con una carga en la mochila de pequeñas cosillas y cuando empiezas a trabajar en Spamalot o en Yllana con los sketches de los Monty Python, ya vas metiendo más experiencias en la mochila.

P. Este momento para ti tiene que ser agotado porque estás con Spamalot, con Personajes de la calle y con televisión.

R. Ahora estoy descansando de televisión porque terminamos de grabar los sketches de La tira en La Sexta y después me incorporé en elenco de La que se avecina en Telecinco y ahora mismo La que se avecina ha parado por vacaciones y ahora estoy dedicado al teatro. Pero como soy una persona inquieta estoy escribiendo un guión para una película basado en una novela de un autor catalán que me propuso que hiciera el guión para cine y que si la quería dirigir, y yo encantado. También, he dirigido tres cortos que escribí yo y es una parte que me gustaría tocar, hacer una película yo mismo, conmigo mismo.

P. Has empezado por adaptar un guión, pero quién sabe si no seguirás con tu guión propio y dirección de alguna película…

R. Sí, sí. Si ésto sigue adelante, dirigiré yo la película. Bueno, primero a ver qué le parece el guión porque le estoy metiendo muchísimas cosas que no aparecen (risas)…

P. Luego, llegará la polémica con el autor…

R. Me dirá “¡qué me has hecho!”. Ya veremos hasta dónde puedo salirme. De momento, hago un tándem entre lo que se me ocurre y lo que hay. Y también estoy produciendo un grupo musical que se llama Primital que le hicimos el estreno en el Teatro Hagen-Dazs Calderón, con ochocientas personas que se lo pasaron bomba y estamos también buscando gira para esta gente.

P. ¿Qué tipo de música interpreta Primital?

R. Son composiciones de un compositor vasco que toca también en la banda, se llama Santi Ibarretxe. Hace una especie de fusión de varias cosas, muy funky, jazz… muy divertido porque además el tío es bastante showman y a veces puede recordar a la Orquesta Mondragón en cuanto a lo teatralizado que hacían las cosas. Santi tiene mucho gracejo en escena y hemos incluído una serie de textos en el espectáculo y hacemos una especie de ópera funky muy divertida.

P. Fernando, este año te vamos echar de menos en Alcalá de Henares en “El Tenorio”.

R. Ya más de dos años haciéndolo… iban a pensar que ya sólo me querían a mí. Fue una de las experiencias más brutales. Delante de 40.000 personas hacer un Tenorio, ¡imagínate! Es un mar de gente. Te sientes como los Rolling Stones diciendo versos. Yo aconsejo que lo vean porque la gente lo vive con un gusto increíble. Ves a 40.000 personas calladas mirando lo que pasa en la escena, en un marco increíble como es la muralla medieval de Alcalá de Henares en la Huerta del Obispo. Es un sitio de la época donde se desarrolla la obra. Es sobrecogedor para el actor y para el público.

Personajes de la calle

Viernes 2 de octubre a la 1 am

Sala Galileo Galilei

Calle Galileo, 100

Tel.: 91 534 75 57/58

1 comentario

Archivado bajo en escena, entrevistas

TOC TOC, ¿algo nuevo por aquí?

Toc Toc es la comedia que estrena la temporada otoño-invierno del Teatro Príncipe Gran Vía. El elenco de actores entre los que se encuentran Daniel Dueñas, Javivi, Gracia Olaya y Ana María Barbany, entre otros, asegura el éxito de esta comedia accesible al gran público .

cartel Toc TocEl otro día, cuando acudí a ver la función Toc Toc (Trastornos Obsesivos Compulsivos) al Teatro Príncipe Gran Vía, recordaba con añoranza cuando con quince años fui a ese mismo teatro a ver a Lola Herrera en Cinco horas con Mario. El texto de Delibes es maravilloso, pero mucha gente llegaba hasta el Príncipe Gran Vía a venerar a Lola Herrera en ese papel de Carmen Sotillo, que lleva bordando más de veinticinco años. Y no sólo por la popularidad de la actriz, sino por la gran acogida de la crítica y el boca a boca del público ante una interpretación conmovedora de la Herrera.

En Toc Toc el atractivo son los actores y la trayectoria teatral y televisiva, en la mayoría de los casos, de cada uno de ellos. Aún no ha habido tiempo para que el texto de Laurent Baffie, adaptado en España por Julián Quintanilla, tenga el reconocimiento del público y lleve a las masas a verlo. Quizá eso no suceda nunca, si bien el entretenimiento estará garantizado para muchos con Toc Toc. Esta obra teatral dirigida por Esteve Ferrer lleva algo de cada uno de nosotros. No todos sufrimos trastornos obsesivos compulsivos como los de los protagonistas de este montaje hasta el punto de necesitar tratamiento. Pero sí tenemos algunas de esas manías que son el origen de la enfermedad. Hay quien evita pisar la rayas que separan las baldosas de las aceras. También está el que no puede tocar directamente una superficie porque le provoca reparo y utiliza mil artimañas para no entrar en contacto. Eso es lo que cuenta Toc Toc, pero llevado al extremo.

La consulta de un psiquiatra es el punto de cita de los seis personajes. Allí van llegando los pacientes y el encuentro de unos con otros provoca situaciones cómicas, con momentos en los que la risa cuesta y sólo sale con facilidad a los que tienen la risa floja. El texto no ayuda al espectador. Son los actores lo que con su interpretación plagada de gestos y movimientos hilarantes facilitan la caracajada en el patio de butaca. Sin lugar a dudas, Daniel Dueñas se mete al público en el bolsillo, no por lo que de soez tiene su personaje debido a su trastorno, sino por cómo lo desarrolla a pesar de los ripios imposibles que provoca. Ana María Barbany encarna a María, una beatona que compulsivamente se santigua cada vez que algo no es como piensa que debería ser. Ana María lo interpreta con tal naturalidad que hace que su personaje sea más que creíble. Blanca tiene la necesidad de tener todo limpio a su alrededor, todo impoluto. Gracia Olaya da vida a Blanca de forma magnífica gracias a la vis cómica que posee la integrante de Las Veneno. El trastorno que padece el personaje de Lili, interpretado por Inge Martín, es casi con seguridad el más difícil de interpretar sobre un escenario por el esfuerzo que conlleva para la actriz y quizá no suficientemente reconocido por el público. No desvelaremos de que se trata por expreso deseo de Inge.

Esta apuesta teatral es un obra de identificación del público con los personajes. Ese es el espíritu del teatro: reflejar lo que en la cotidianidad sucede. Toc Toc lo logra sin grandes esfuerzos para el espectador. Falla en un final demasiado predecible para los aficionados al teatro. La similitud con otras creaciones teatrales sobrevuela el Príncipe Gran Vía. No desvelaré con qué montaje tiene final común para no desbrozarlo antes de tiempo. Quienes tengan fácil risa disfrutarán con el texto de Toc Toc. Quienes valoren las buenas interpretaciones disfrutarán con los actores de Toc Toc.

TEATRO PRÍNCIPE GRAN VÍA

Calle Tres Cruces, 8

Madrid

Deja un comentario

Archivado bajo en escena

Spamalot “avasalla” el Lope de Vega de Madrid

Spamalot llega al Teatro Lope de Vega de Madrid con las bendiciones del público de Barcelona, que ya ha disfrutado del montaje, y el éxito cosechado en Estados Unidos desde que se estrenara en 2004. Cóctel de humor y música que tiene como ingredientes la idea original de los británicos Monty Python y la dirección en España de los consagrados Tricicle.

SpamalotAño 932 de nuestro Señor. El Rey Arturo de los britanos decide salir al mundo al encuentro de cuatro caballeros que le acompañarán en sus aventuras y desventuras en busca del Santo Grial. Los afortunados seleccionados recorrerán Europa con el rey, porque no existían territorios más allá, para hacerse con la santa copa que era el tesoro más preciado de la época.

Así contado no dejaría de ser un hecho épico del personaje que más interés atrajo durante el Medievo. Este hecho aumentó la popularidad y la leyenda del Rey Arturo. Pero Spamalot va más allá. Spamalot es mucho más. La conjunción de los Monty Python y Tricicle dan como resultado este musical de locura por las peripecias que viven sus personajes, llegados hasta ellas por el majestuoso guión original basado en la película Monty Python and the Holy Grial y magistralmente adaptado al castellano por Tricicle. La aportación al montaje de connotaciones muy interiorizadas por los españoles, e incluso con referencias muy directas a Madrid, termina de meterse al público en el bolsillo.

Los espectadores disfrutan de un guión fresco, dinámico, hasta inesperado en ciertas escenas, que enlaza a la perfección con las canciones que nos conducen a lo largo de las peripecias de ese Rey Arturo al que da vida Jordi Bosch, que expresa con rotundidad la altivez y soberbia del rey. Este es un Rey Arturo perdido y desbordado por sus obligaciones, que confía y llega a delegar su gobierno en su fiel servidor y chico para todo -lo mismo es su porteador que su caballo- Patsy (Julián Fontalvo quien con esplendor conduce al espectador por los avatares de los personajes).

El Rey Arturo y sus caballeros

El Rey Arturo y sus caballeros

El elenco de artistas sobre el escenario del Lope de Vega de la Gran Vía madrileña es inmejorable. Actores, cantantes y bailarines han sido seleccinados con esmero y delicadeza y eso se transmite cada tarde al subir el telón. Hay que destacar el buen hacer de Fernando Gil en el papel del Lancelot. Gil se mueve en el escenario sin ningún pudor no sólo haciendo lo que mejor sabe hacer, que es interpretar, sino que a pesar de aparentar una desgarbada figura, sorprende al espectador con una buena coordinación en los bailes sobre el escenario y una destacada voz en las canciones que interpreta. Y no se puede dejar de mencionar a Víctor Ullate Roche que, interpretando a Robin, un caballero que sólo sueña con llegar a Broadway -aunque Broadway aún existiera en ese momento-, muestra al público su arte en el baile, en la danza -algunos de sus movimientos en Spamalot son danza en estado puro-, sin que por ello decaiga la interpretación de su personaje y de las divertidas canciones que ofrece. 

Los componentes de la formación Tricicle

Los componentes de la formación Tricicle

Spamalot es un musical entretenido, ágil, cómico, hilarante, con coreografías excepcionales de Francesc Abós y la dirección musical de César Belda. En Spamalot los decorados, la iluminación, el vestuario, que quizá peca de un exceso de lencería fina en escena, parecen directamente traídos de Broadway, donde se estrenó la obra en 2005 y que ha variado muy poco en la versión española. Spamalot recoge en plenitud el espíritu de los Monty Python. Algunas escenas del musical se confunden con escenas de sus películas, y no porque sean una réplica de aquellas sino porque llevan el sello del grupo cómico británico. ¿A quién no chocan los personajes anacrónicos en las películas de los ingleses? Esa es una de las marcas de la casa. Spamalot es un nuevo éxito de Tricicle. Un sello de garantía, de excelencia, de calidad que, como la denominación de origen en los vinos, marca la diferencia entre el buen vino y el vino peleón.

TEATRO LOPE DE VEGA

Gran Vía, 57

Madrid

Entradas en:

Servicaixa

entradas.com

Deja un comentario

Archivado bajo en escena

El nuevo Teatro Prosperidad presenta…

HOMENAJE A LOS HERMANOS ÁLVAREZ QUINTERO

El Teatro Prosperidad levanta el telón en la red de teatros de Madrid ridiendo un homenaje  a dos autores tradicionales en el teatro español que escribieron, prinicipalmente, comedias, que popularizaron a través de sus sainetes y entremeses: los hermanos Álvarez Quintero. En el año en que se cumple el 70 aniversario de la muerte de Serafín Álvarez Quintero, CERMAR PRODUCCIONES ha querido rendirles un merecido homenaje.

Homenaje a los Hermanos Álvarez Quintero - Teatro ProsperidadCuatro son los fragmentos de otros tantos sainetes que Montse Martínez y Ángel Cercós ponen en escena durante los primeros fines de semana de agosto. Desde La vida en un hilo hasta Sangre gorda los actores nos acercan al humor de los hermanos Álvarez Quintero que a pesar de los años transcurridos desde su creación siguen de total actualidad.

Los juegos de palabras se suceden junto a los malentendidos y malas interpretaciones que los personajes provocan para enervar a quien le da la réplica, conseguiendo así atraer la atención del público y arrancar carcajadas absolutamente espontáneas gracias a los exquisitos textos de estos dos autores.

El trabajo de Montse Martínez y Ángel Cercós sobre el escenario consigue hacer creíbles unos personajes ambientados a principios del siglo XX, sin que por ello lo que cuentan merezca un menor interés. Los actores saben transmitir el amor, el desamor, el enfado y la indignación ante situación universales y que seguirán conmoviendo a la humanidad. Excelente el buen hacer de los intérpretes que hacen creíble unos personajes en los que más destaca es ese acento andaluz tan característico en la obra de los Álvarez Quintero y que aporta musicalidad, gracejo y simpatía a este montaje tan apropiado para el verano.

Ángel Cercós y Montse Martínez en un momento del Homenaje a los Hermanos Álvarez Quintero

El Teatro Prosperidad no quiere olvidarse de su municipalidad castiza e invita a sus espectadores a disfrutar de la zarzuela con Vamos de Verbena del 14 al 30 de agosto. Piezas de zarzuelas populares inundarán de casticismo este nuevo espacio escénico donde, además, después de la función los asistentes podrán “perfeccionar” sus dotes para el chotis acompañados por expertos en el baile más popular de Madrid. También el Teatro Prosperidad ofrece la posibilidad de benificiarse de dos entradas al precio de una a todos aquellos espectadores que acudan al teatro vestidos de chulapos o que al menos lleven algún distintivo del traje típico madrileño.

Teatro Prosperidad

Calle Mantuano, 29

Venta de entradas: Telentrada Caixa de Cataluña

ó 902 10 12 12

Deja un comentario

Archivado bajo en escena

El gesto hecho palabra

ZOO de Yllana

Llegar al público desde el escenario no es fácil para el actor. Aún más complicado es hacerlo sin utilizar la palabra y sin seguir un texto como hilo conductor. Para Yllana ésto no tiene ningún misterio, es la base de su éxito. Con Zoo trasladan al espectador hasta una lejana isla de África donde llegarán cuatro intrépidos aventureros que deberán encontar un bicho de especie extraña.

Cartel Zoo de YllanaSusana Cortés, Juan Francisco Dorado, César Maroto y Rubén Hernández son los cuatro aventureros que sobre las tablas del Teatro Alfil trasladan al espectador desde Madrid hasta una isla perdida en África. La escenografía permite identificar el lugar como un punto lejos de una isla paradisíaca donde perderse. La historia de Zoo se perpetra en una selva llena de peligros que deberán ser salvados por los protagonistas.

Como en cualquier jungla al uso no pueden faltar los gorilas magistralmente interpretados por los tres actores del montaje y que ratifican una vez más la teoría de que el hombre no está tan alejado del mono -o al menos en su caso-. También las aves tropicales tienen su protagonismo en la obra utilizando técnicas que recuerdan al famoso teatro negro y que provocan un momento casi íntimo con el público, que puede presenciar desde su nacimiento hasta su primer vuelo, todo ello resumido correctamente en pocos minutos.

La interactuación con el público, que tanto gusta a los actores de Yllana, toma protagonismo en Zoo en varios momento de la representación. Los espectadores se desinhíben, ríen, participan y juegan con los actores que ponen en más de un aprieto a quienes asisten a verles, pero sin llegar a provocar el pánico escénico del que tantas personas huyen.

Destacar sobre todas las demás la escena final que, utilizando una escenografía cinematógrafica, hace un recorrido a lo Indiana Jones por distintas pruebas donde vemos a los protagonistas buceando en los fondos marinos, cruzando puentes, atravesando la selva y huyendo de lápidas amenazadoras a partir de unos elementos muy básicos.

No sólo el gesto es el protagonista de este montaje, también la música, los sonidos guturales y las excelsas onomatopeyas forman un cóctel llamado Zoo , dirigido por David Ottone y Juan Francisco Ramos e interpretado por los cuatro magníficos en quienes destaca su profesionalidad y su formación –se nota de largo que son Licenciados en intepretación gestual por la RESAD-. El humor de Yllana llevado de nuevo a escena en un montaje para adultos que también pueden ser visto por los niños.

Teatro Alfil

Calle Pez, 10

Tel.: 91 521 45 41

Venta de entradas: entradas.com

902 488 488

Deja un comentario

Archivado bajo en escena

La vuelta a la familia profunda

REGRESO AL HOGAR de Harold Pinter

Un hecho que en general es motivo de alegría en la mayoría de los hogares, como es la vuelta a casa del hijo que abandonó su entorno seis años atrás, en la familia de Regreso al hogar marca un antes y un después. Ya nada volverá a ser como antes para ninguno de sus miembros.

Cartel Regreso al hogarRegreso al hogar no es más que exageración de las relaciones humanas, no sólo en lo referente a las relaciones familiares sino en lo que se refiere a nuestras relaciones con los demás. Un padre abrupto, maleducado y que, a pesar de querer imponerse, ya ha perdido la autoridad, abre el cuadro de situación que va explicando al espectador quién es cada uno de los personajes.

El premio nobel Harold Pinter cuenta la historia de un familia que se presenta desmembrada, rota y sin visos de reconciliación. Y un hecho inesperado consigue unirles cuando cada uno vivía en su planeta a pesar de habitar bajo el mismo techo. Es un familia de hombres. La única mujer de la casa era la madre que murió. Ahora la única fémina de la historia es Ruth (Ana Fernández) la esposa de Teddy (Sergio Otegui), el hijo pródigo que vuelve a casa.

Ruth, una mujer tímida, desorientada ante un entorno nuevo, ante una familia llena de extraños. Max (Francesc Lucchetti), el padre, no acepta a una intrusa en su casa. Ni tan siquiera acepta a su hijo Teddy al que considera un intruso igualmente que abandonó el hogar familiar para irse con una mujer. Pero poco a poco se familiariza con Ruth y la admite en su  hogar. Y el resto de hombres de la familia se acostumbran a la presencia de esa intrusa familiar. La lucha comenzará cuando Teddy y Ruth decidan volver a su hogar conyugal.

Hay quien califica esta obra de Pinter como una de sus muestras de teatro del absurdo. Tiene un final inesperado, sorprendente, incluso se puede considerar imposible por lo que conlleva, pero no deja de mostrar lo que a muchos les hubiese gustado hacer ante esa situación y nunca se habría atrevido.

Ana Fernández y Sergio Otegui en Regreso al hogar

Francesc Lucchetti llena el escenario en el papel de Max, ese padre odioso y odiado por sus hijos. Siempre vivieron bajo el yugo de su voluntad radical y caprichosa. Lucchetti se transforma en Max y nos hace creer que su físico sólo puede corresponder con una personalidad como la del Max que Pinter concibió. Ana Fernández da vida Ruth. Las miradas inquietantes de Ana denotan una mezcla de timidez y altivez ante lo que vive en la casa familiar de su marido. La complicidad inicial que tiene con su marido en la obra, Ana la transforma en deseo hacia el resto del mundo. Por su parte, Sergio Otegui aguanta el tipo en el escenario intepretando a Teddy que tiene que soportar vejaciones y desprecios por parte del resto de personajes, consiguiendo que el público llegue a tener compasión de él. Antonio Gil, en el personaje de Lenny, aporta un aire chulesco y de superioridad que no se achanta ante las imposiciones del padre. Todos ellos coordinados por el director de orquesta que en esta función el experto director teatral Ferrán Madico que ha sabido conseguir que los actores de esta versión de Regreso al hogar proporcionen un profundo realismo a sus personajes.

 

Teatro Español

Sala Pequeña

Calle Príncipe, 25

Tel.: 91 360 14 80

Deja un comentario

Archivado bajo en escena

Javivi: “Pasión sin puñales es una conjunción de bichos extraños”

PASIÓN SIN PUÑALES

Javivi: “Pasión sin puñales es una conjunción de bichos extraños”

El Teatro Circo Price ofrece este verano un espectáculo de cabaret con un remake de números circenses que no dejan de sorprender al espectador. Más de media docena de artistas se dan cita cada día en la pista acompañados por la espléndida orquesta del Price. Humor, diversión, sensualidad y expectación resumen esta apuesta que tiene como maestro de ceremonias a Javivi.

La mejicana Astrid Hadad

La mejicana Astrid Hadad

Ser recibido a pie de pista por el inigualable Ángel Pavlovsky no es algo que suceda a diario ni a aficionados ni a profanos de las artes escénicas. Esa es la primera sorpresa que se lleva quien acude a ver Pasión sin puñales. Parte de la pista permanente del circo se ha habilitado con mesas y sillas para propiciar el ambiente de cercanía y de lugar distendido que caracteriza a los cabarets.

Mientras el espectador disfruta de una bebida, e incluso de algo que llene el estómago, ve desfilar a un elenco de grandes artistas llegados de los cuatro puntos cardinales del planeta. Como nos dice Javivi “si detrás de este espectáculo no estuviera el Ayuntamiento sería imposible haberlo traído a Madrid“. Y no exageramos ya que desde Méjico llega la exuberante Astrid Hadad que llena el escenario con sus canciones, sus vestidos imposibles, pero llenos de colorido y su irónica verborrea. Los números más vinculados al circo llegan de la mano de la francesa Aurelia Cats, que subida en el trapecio vestida de gata deja con la boca abierta a quienes contemplan sus números, y de Mozes. Este trapecista llegado desde Australia desempolva números tradicionales que nunca dejarán de sorprender. Además, Mozes aporta la sorpresa más transgresora del espectáculo. El trío Zahir Circo aporta diversión y fascinación por la sincronía de sus números y la complicidad con el público.

Monsieur Gilles interpretado por Javivi

Monsieur Gilles interpretado por Javivi

Los números se van sucediendo tras la presentación de cada uno de ellos por el maestro de ceremonias, Monsieur Gilles, interpretado por el gran Javivi quien dice que su personaje “nace en El fin de los sueños, una obra de teatro de Animalario, escrita por Alberto San Juan, que trata sobre una serie de cabareteros españoles y Monsieur Gilles es uno de esos personajes, que está en quinta fila, es un artista venido a menos, venía de algo muy fuerte. Podríamos decir que este Monsieur Gilles de Pasión sin puñales representa a lo que hipotéticamente era anterior a El fin de los sueños. Él presenta a sus compañeros a la par que cuenta sus adentros, sus interioridades, su modo de vida a los espectadores. Y mezcla la presentación con su dolencia vitalista. Este personaje es también un homenaje a José Luis Moreno, a su forma de presentar en televisión. Hay una mirada hacia los 70, hacia Pajares y Esteso y la época de los shows de varietés. Todo eso con unos toques impresionantes de funky. Además, voy vestido elegantísimo por Beatriz San Juan con un estilo Alberto Sordi.

No falta en este montaje un número de acrobacia corporal que aporta Mercedes Chenard que ha llegado a Madrid desde Canadá y que mezcla su faceta de cantante con las formas más difíciles que le proporcionan sus articulaciones. Incluso este Pasión sin puñales nos traslada a los espectaculares shows de Las Vegas con el strip-tease  que trae desde Estados Unidos Catherine D’Lish, de forma elegante y atrayente para el público.

Un momento del monólogo de Ángel Pavlovsky

Un momento del monólogo de Ángel Pavlovsky

Completa el espectáculo el increíble Ángel Pavlovsky que llega al escenario con lo que mejor sabe hacer: dirigirse al público con sus monólogos ácidos, pero hilarantes. La señora Pavlovsky, personaje que lleva representando casi 30 años y que como dice su propio intérprete “no estoy cansado de él porque si no, ya me habría divorciado“, con su sola presencia y su vestido de diseñador francés llena el escenario, hace reir al espectador, pero también le saca su parte más sensible, le traslada en el tiempo y le transporta al mágico mundo del teatro.

Un montaje que hace que el espectador se reconcilie con el cabaret, a través de este cabaret-circense, y retome el gusto por este género. En palabras de Javivi “es verdad que España no tiene la tradición de cabaret que pueda tener Berlín, Francia o Méjico, aquí los antros de la movida no eran tan cabareteros y hay que trasladarse a la época del transformimo para hablar de cabaret. España tiene una tradición más floclórica que tiene todo mi respeto, pero no hemos llegado a internacionarlizar. Pero esta conjunción de Pasión sin puñales, esta mezcla de cabaret y circo, esta conjunción de bichos extraños, como dice Pere Pinyol, están sentando las bases para un edificio sobre el que asentar los fantasmas del cabaret.”

También el propio Pavlovsky destaca que “es un espectáculo de cabaret, género que tiende a desaparecer porque figuras de este estilo es difícil verlas sobre el mismo escenario en un mismo montaje. Es un proyecto difícil. Son todos figuras en sus disciplinas y es recuperar lo que en este sitio se tenía que haber hecho toda la vida, pero que se fue perdiendo. Yo estoy muy feliz porque disfruto cada noche.

Teatro Circo Price 

Ronda de Atocha, 35

Tel.: 91 527 98 65

3 comentarios

Archivado bajo en escena

Inicio, desgaste y fin de una pareja

PIEZA INCONCLUSA PARA SOFÁ Y DOS CUERPOS

El amor es el tema central de películas y obras de teatro. El desamor no se queda atrás. Pero entre un tema y otro está la angustia y el sufrimiento que llevan al final de las relaciones. Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos nos pone frente a la pareja protagonista de un desengaño. Desde los comienzos hasta el último adiós, el montaje nos traslada por las fases del amor. Hacemos un recorrido por la obra de la mano de su autor, director y protagonista, Mariano Rochman.

Pieza inconclusa cartelP. Mariano, ¿cómo surgió la creación de esta obra?

R. Surgió del deseo de investigar acerca de cómo se arma el amor,  de la necesidad de actuar un texto que surja, que me conmueva, de trabajar sin pausa pero sin prisa.

P. ¿Por qué es una pieza “inconclusa”?

R. Porque deja un final abierto. Porque puede haber o no una segunda parte en esta pareja. Porque cuando acabé sentí que no había concluido nada que no supiera…

P. ¿Cómo fue el proceso de investigación de parejas a partir del que surgió el texto?

R. El punto de partida fueron dos cuentos de Raymond Carver, luego improvisamos situaciones. Otras fueron directamente escritas por mí. Miré muchas películas acerca del amor de pareja y siento que la experiencia personal también está puesta en juego.

P. ¿Por qué las parejas van perdiendo la ilusión del primer momento?

R. Por la monotonía, por sentir que ya está, que no hay que construir y cuidar el amor diariamente. Porque nos estancamos y no sabemos qué hacer. Nos angustiamos y nos cuesta comunicarnos con el otro.

P. ¿Sólo se alcanza la felicidad cuando se está enamorado?

R. Pienso que la felicidad es algo utópico, que es una especie de zanahoria que nos ponen para seguir andando. Se pueden alcanzar muchos momentos donde sentirse feliz, muchos de esos son estando enamorados.

P. En esta obra no se señala como culpable de la ruptura a ninguno de los protagonistas, ¿nunca hay culpables en las rupturas? 

R. Siempre defendí que no quería un culpable, que responsables eran los dos. Pienso que hay casos en los que puede haber culpables, pero en su mayoría “la responsabilidad siempre es de dos”.

Escena de 'Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos'

Natalia Morlacci y Mariano Rochman en una escena de 'Pieza inconclusa para sofá y dos cuerpos'

P. ¿Te sientes identificado con el papel?

R. En muchos momentos puedo sentirme indentificado, claro que sí.

P. La escenografía es muy sencilla aunque descriptiva, ¿fue costoso llegar a crearla para que pudiese transmitir al espectador?

R. Estaba en una búsqueda minimalista. Leo Tortul, el escenógrafo, capto ese concepto y lo llevó a fondo. El sofá para mí es un tercer protagonista.

P. ¿Qué es más difícil ser autor, director o actor?

R. No podría decir si que es mas fácil o difícil, pero sé que no podría dejar de actuar. Ante todo me siento actor.

P. ¿Cuál es el próximo proyecto de Mariano Rochman?

R. Se estrena en Buenos Aires Creo en Elvis una obra mía. La quiero estrenar en Madrid, pero necesito producción. Estoy escribiendo una obra sobre intercambio de parejas y pensando en qué se pone en juego cuando somos infieles. Pero sobre todo me apetece actuar en proyectos que me seduzcan.

 

La Usina

Calle Palos de la Frontera, 4

Metro y Renfe Embajadores

Tel. 91 389 62 76

670 58 05 70

2 comentarios

Archivado bajo en escena

Antonio Machado vive

Último viaje de Antonio Machado

Teatro en estado puro 

Francisco Vidal y Charo Soriano interpretan a Antonio Machado y su madre

Francisco Vidal y Charo Soriano interpretan a Antonio Machado y su madre

Tener que dejar involuntariamente el lugar donde se ha nacido, se ha vivido, se ha crecido, donde se ha amado y se ha sufrido es una de las experiencias más amargas que tiene que vivir el ser humano. El dolor y la profunda tristeza que eso produce es lo que nos transmite el autor argentino, Marco Canale, en Último viaje de Antonio Machado, quein ahondó en la vida del poeta contando con la ayuda del hispanista Ian Gibson.

Agotamiento, enfermedad, dolor, desesperación. Sentimientos y sufrimiento que la familia Machado lleva consigo al llegar a Collioure (Francia) después de abandonar España como exiliados. Antonio Machado (Francisco Vidal) llega enfermo al destierro francés con el permanente recuerdo de su esposa fallecida, Leonor (Gloria Sanvicente). Antonio contó en ese viaje con el apoyo de su madre, Ana Ruiz (Charo Soriano) que, anciana y con una salud delicada, no está dispuesta a dejar a su hijo sólo en ese duro trance. También les acompañaron el hermano del poeta, José Machado (Manuel Brun) y su esposa, Matea Monedero (Resu Morales). Todos ellos vivieron humildemente en la pensión Bougnol-Quintana, regentada por Madame Quintana (Claudia Gravi).

En España permanecía otro de los hermanos, el también escritor Manuel Machado (Ángel Amorós) que fijó su residencia en Burgos, desde donde dio apoyo al bando nacional, enfrentándose así a su hermano Antonio que salió del país para evitar la persecución a los intelectuales con ideas contrarias a las imposiciones franquistas.

La división de la familia Machado es otra muestra de lo que los españoles vivieron en esos días. También José Machado sufrió la división interna entre el apoyo a su familia y el apoyo a su desconsolada esposa que  tenía una única obsesión: regresar a España para encontrar a sus hijas.

Un drama con una puesta en escena espléndida para conmemorar el 70 aniversario del muerte de Antonio Machado. Además la obra posee una escenografía sencilla y clara que describe rotundamente el entorno donde vivieron los Machado escamente un mes. El montaje cuenta con la dirección redonda de Ginés Sánchez. Este joven director ha conseguido trasladar al público hasta 1939 en el rincón de la costa francesa llamado Collioure. Una apuesta por el teatro de calidad, por un teatro puro, sin distracciones.

Estuvo en cartel hasta el 12 de julio de 2009.

 Teatro Muñoz Seca

Plaza del Carmen, 1

Tel: 91 523 21 28

Deja un comentario

Archivado bajo en escena